Youth Without Youth (2007)

de Francis Ford Coppola

Francis Ford Coppola foi em tempos, o mais brilhante e irreverente, dos jovens turcos da Nova Hollyood. Os seus filmes eram sucessos esmagadores tanto de bilheteira como de crítica, sendo os Padrinhos e Apocalypse Now, exemplos perfeitos da sua mestria cinematográfica. Mas Coppola sempre foi um megalómano. E foi essa megalomania, que quase o arruína com flops como Do Fundo do Coração ou Cotton Club. Financeiramente ferido, o cineasta tenta reconstruir a sua carreira com filmes, mais ligeiros como Peggy Sue Casou-se, Jack ou The Rainmaker. E acontece então uma pausa. Pausa que dura 10 anos, precisamente até este Segunda Juventude.

Esta é a história de Dominic Matei, que atingido por um raio começa a rejuvenescer, e a descobrir que possui estranhos poderes. Os nazis apercebendo-se disso, procuram-no e Dominic é obrigado a exilar-se. Conhece então uma rapariga que parece sêr a reencarnação de um amor antigo. Com temas como a juventude eterna, ou a transmigração das almas o filme sofre de excesso de ambição, e a história é por vezes algo inverosímil. Se a inicio Coppola está fascinado com a incrível situação do seu protagonista, a meio do filme, parece mudar de ideias e dedica-se exclusivamente à história de amor, lembrando-se a 10 minutos do fim, de voltar a martelo ao tema do rejuvenescimento. Supostamente inesperados, esses 10 minutos finais, são involuntariamente previsíveis e maçadores. Em verdade, o ponto forte de Segunda Juventude, é mesmo a história de amor eterno. Aí Coppola, brilha e mostra todo o seu imenso talento. Seja na direcção de actores, seja na encenação. Um destaque para Tim Roth, que vai muito bem no papel de Dominic, e aguenta o peso de uma personagem complexa.

Francis F. Coppola continua talentoso e disposto a correr riscos. E só isso já é de saudar. Mas neste filme parece ter havido um caso de “mais olhos que barriga.” Ou se preferirem de megalomania.

Memorável

Silvio Dante: "A lot of top guys have dark moods. That Winston Churchill drank a quart of brandy before breakfast. Napoleon, he was a moody fuck, too. "

Bobby Baccalieri: "To the victor belongs the spoils."
Tony Soprano: "Why don't you get the fuck out of here before I shove your quotation book up your fat fucking ass."

Paulie Walnuts: He had two ass holes when they buried him...

Ralphie Ciferetto: Look at Kirk Douglas’ fucking hair? They did not have flattops in enchant Rome!

Carmella Soprano: You know, Tony, it's a multiple choice thing with you. 'Cause I can't tell if you're old-fashioned, you're paranoid, or just a fucking asshole.

Christopher Moltisanti: This ain't negotiation time. This is Scarface, final scene, fuckin' bazookas under each arm.

Uncle Junior: My father told me to never get old, I should of listened to him

Tony Soprano: "I didn't just meet you, I've known you my whole fucking life!"

Absolutamente de acordo!

"In our culture of hype, the currency of praise has been so de-valued that no one credits it, even when deserved. The truth is, The Sopranos, whether in one-hour shots, 13-hour seasonal chunks, or the 86-hour long-form marathon—however you want to take it—is one of the masterpieces of American popular culture, on a par with the first two Godfathers, Mean Streets, and GoodFellas—the classics of Mob cinema—or even European epics such as Luchino Visconti's The Leopard, Bernardo Bertolucci's Novecento, or, as the late New York Times critic Vincent Canby first claimed, Rainer Werner Fassbinder's monumental 15½-hour Berlin Alexanderplatz, all of which The Sopranos dwarfs in terms of length, if not scope. New York's Museum of Modern Art honored The Sopranos in February 2001, when the senior film curator, Laurence Kardish, showed the first two seasons, along with a couple of films that influenced the show—including a Laurel and Hardy picture, Saps at Sea. This was the first time an American dramatic series for television had been shown at the museum. Kardish calls the show "an extraordinary blend of great psychological insight and social cartography, zany as well as poignant and resonant." No less an authority than Norman Mailer recently gave The Sopranos high praise indeed when he favorably compared the depth of its characterizations to that achieved in novels."

In Vanity Fair

Alguem advinha quem é este senhor?

Red Carpet - Maio

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Para aqueles que falam mal de Miami Vice

Reds (1981)

de Warren Beatty

Reds é antes de mais, um dos mais ambiciosos, arriscados e improváveis filmes, alguma vez feitos em Hollywood. A sua feitura apenas foi possível devido à persistência e ao star-power de uma das suas maiores estrelas, Warren Beatty de seu nome. O financiamento para a realização de um épico sobre um líder comunista, autor de um dos livros mais fieis aos acontecimentos da Revolução Russa e o único americano sepultado no Kremlin, revelou-se uma tarefa quase impossivel. Especialmente tendo em conta o fervor anti-comunista, que reinava na altura numa América em plena Guerra Fria. Mas a tenacidade de Beatty levou a melhor, conseguindo o apoio da Paramount, e assegurando um controlo criativo total, interpretando, realizando, escrevendo e produzindo o filme. Após dois anos de rodagem e montagem, o filme estreava finalmente em 81. Imediatamente afirmou-se como um grande sucesso nas bilheteiras, e um dos filmes mais nomeados na história dos Oscars (13 nomeações, sendo 4 para Beatty, que igualou assim Orson Welles). Ou seja Reds torna-se um triunfo artístico e comercial sem precedentes na carreira do seu autor.

Abordando as ilusões e desilusões inerentes às utopias, a história de amôr de John Reed (Beatty) pela ideologia comunista, assim como pela mulher da sua vida, Louise Bryant, é contada de forma original, complexa e muitíssimo eficaz. A narrativa gira em torno da relação entre Reed e Bryant, dois intelectuais radicais, que com uma relação no mínimo tumultuosa (com infedelidades de parte a parte), reencontram o amor no mais surpreendente dos cenários, em plena Revolução Russa. A partír daí, Reed e Bryant regressam ao Estados Unidos, tentando espalhar a mensagem aquilo que viram na Russia, na esperança de assim agitar, e eventualmente revolucionar a sociedade americana. Reed acaba mesmo por abandonar o jornalismo e converte-se num dos primeiros líderes do partido comunista americano. Mas essa conversão irá fazê-lo regressar à Russia, deixando Louise para trás.

Vários são os momentos em que Reed, procura equilibrar o colectivo com o pessoal. A sua ideologia e o afecto. Mas esse equilibrio revela-se impossivel num estado totalitário. E esse é uma das maiores virtudes desta obra apaixonante: apesar de Beatty sentir uma óbvia simpatia para com a utopia comunista, há uma altura que o seu protagonista é forçado a constatar que o sonho se tornou um pesadelo. Um exemplo marcante, é o discurso que Reed faz para uma plateia de radicais muçulmanos, onde vê as suas palavras traduzidas de “guerra de classes” para “guerra santa” criando assim uma histeria eufórica na sua audiencia. Mais tarde é lhe dito que o seu discurso foi alterado, por não ser propagandistico o suficiente. Além de actualissima, essa cena revela toda a manipulação que o indivíduo sonhadôr, pode sofrer num colectivo que se rege de forma totalitária. Ou seja Beatty dá uma no cravo e outra na ferradura. E muito bem! Nunca negando a complexidade e a veracidade do tema que aborda, perservando a integridade da obra. E que dizêr daquele reencontro final na estação, em que uma ansiosa Louise Bryant, que após regressar à Rússia clandestinamente, finalmente encontra um destroçado Reed, criando um dos momentos mais comoventes a que assisti num filme. Além do mais, a história de amôr entre os protagonistas é palpável e nunca é abordada de forma sentimental, o que só lhe dá mais força.

E depois Beatty, tem outro momento inspirado. Convocando para este épico intimista, aquelas deliciosas “testemunhas” idosas. Escritores, intelectuais, militares, que conheceram e privaram de perto, com os verdadeiros John Reed e Loise Bryant. As suas intervenções ao longo do filme, narrando as suas experiencias conjuntas, são de uma candura, verdade e humor, simplesmente desarmantes Esta técnica documental, reforça a autenticidade de Reds, e dá uma ressonância singular às imagens que vemos. E claro que falar de Reds, é falar daquele cast portentoso onde brilham a grande altura Maureen Stapelton (com um oscar mais que merecido), Jerry Kozinski, Gene Hackman e Jack Nicholson (num surpreendente underacting). E as imagens que Vitorio Storaro criou? Que dizer daquelas composições inesquéciveis, ou do tratamento cromático, que nos dá a sensação de vêr um filme a preto e branco? O seu oscar é também inteiramente justo.

Tudo neste filme se conjuga de forma perfeita. Arte, entretenimento, política, amor, História. Reds é a prova que Warren Beatty por detrás daquela fama de galã de Hollywood, é antes demais, um cineasta de um talento e coragem imensas. Um dos grandes grandes filmes da minha vida.

Earthlings

Este documentário é revoltante, chocante e faz pensar no caminho que a humanidade está a levar. Mais que cinema, isto é VERDADE! Muitas vezes não pensamos ou não queremos pensar no caminho que aquele bife, ou aquele peixinho levaram até ao nossos pratos. Pois é, este excelente documentário narrado por Joaquim Phoenix e com a música de Moby, revela esse caminho e sua relação com com a nossa sociedade de consumo. É um caminho de imagens ultra violentas e chocantes, revelando o nível de desumanidade a que chegámos.

Votação Cineasta Português - Resultados

João César Monteiro

Nomeados Cinema Globos de Ouro 2007

MELHOR FILME:
A Outra Margem, de Luís Filipe Rocha
Belle Toujours, de Manoel de Oliveira
Call Girl, de António-Pedro Vasconcelos
O Capacete Dourado, de Jorge Cramez

MELHOR ACTOR:
Eduardo Frazão, em O Capacete Dourado
Filipe Duarte, em A Outra Margem
Ivo Canelas, Call Girl e Mistério da Estrada de Sintra
Nicolau Breyner, em Corrupção

MELHOR ACTRIZ:
Ana Moreira, O Capacete Dourado
Margarida Vila-Nova, em Corrupção
Maria d'Aires, em A Outra Margem
Soraia Chaves, em Call Girl


Os meus favoritos:

Melhor Filme: Capacete Dourado

Apesar dos seus defeitos narrativos, o podêr dos seus momentos de puro cinema (e cinéfilia), destacam este filme da concorrência.

Melhor Actor: Ivo Canelas/Mistério da Estrada de Sintra

O melhor actor da sua geração, numa composição brilhante! O seu Eça emana carisma e talento de forma soberba!

Melhor Actriz: Ana Moreira / Capacete Dourado

Apesar do seu papel sêr algo "curto", todas as cenas em que entra pertencem-lhe por inteiro.

Amor ao primeiro som...

O album português mais surpreendente do ano! Uma belissíma voz com canções que fazem lembrar Aimee Mann. Golden Era é o primeiro album de Rita Redshoes, uma companheira de canções da banda de David Fonseca. A sua belíssima voz desperta sentimentos, sonhos e nostalgias. Possivelmente o melhor album do ano...

Deixo-vos aqui uma amostra da sua magia...

The Brave One (2007)

de Neil Jordan

Num regresso aos universos de Taxi Driver, Jodie Foster brilha a grande altura, neste complexo thriller de Neil Jordan (Crying Game e The End Of The Affair). Jodie interpreta uma traumatizada radialista, que marcada por um acto de violência extrema, acaba por assumir um papel de justiceira, numa espécie de catarsis emocional.

As consequências, são o diluir das fronteiras, entre “bons” e “maus”.Terrence Howard, no papel do detective que tal como Jodie, está farto de vêr os criminosos fugirem à Justiça, é fulcral para perceber a personagem de Foster. O irlandês Neil Jordan, revela um talento inesperado na direcção de um blockbuster de acção, imprimindo-lhe um carácter bastante intimista. O realizador filma com a sua habital elegância técnica e mestria narrativa. A haver pontos negativos, serão algumas cenas mais inverosímeis, ou a sensação que se poderia ir mais longe num tema tão delicado como este. Mas quando o filme parecia começar a descambar lá para o final, acontece um brilhante volte face, que foge aos clichés deste género de fitas, e apresenta-nos a única conclusão possivel de forma surpreendente.

Foster e Howard fazem uma dupla com uma química arrebatadora e Jordan assina um belíssimo filme, com um tema sensível e polémico. Pena não ter ido mais longe.

THE END - Parte 1

É por estas e por outras, que John Ford é um dos maiores mestres da 7ª arte! E aquela porta a fechar, é de um simbolismo sublime. Um dos finais mais brilhantes na história do cinema.

Filmes da Minha Vida - IX

Obra explosiva de Michael Cimino. Com Robert de Niro num dos seus grandes papéis, e Christopher Walken, inesquecivel na pele do perturbado Nick (papel que lhe valeu o Oscar). Cimino aplica um ritmo deliberadamente lento, mas adequadissimo, a esta história sobre a perda das ilusões e da destruição da inocência. Balançando entre sequências ora líricas (as caçadas nas montanhas) ora violentíssimas (o capitulo no Vietname), The Deer Hunter foi na altura da sua estreia considerado de racista, devido ao retrato que faz dos vietnamitas. Se essa acusação é verdadeira ou não, é algo de somenos importância, tal é a intensidade das cenas e o impacto emocional causado no espectador. A musica, a fotografia e a edição são tambem sublimes. Um dos filmes maiores da minha época favorita de Hollywood, os anos 70.

Bond Song nº20

Em 1995 Tina Turner e Eric Serra recuperaram a mistica perdida das canções de 007. O resultado foi esta homage ao legado de John Barry com um toque actual e apropriado em qualquer revivalismo. Mediano mas catchy....

A estreia do Mês!

Infelizmente apenas numa sala:
Lisboa UCI Cinemas - El Corte Inglés
Sala 5 / 14h20, 16h45, 19h15, 21h50, 00h20

Bond Song nº21

A menos querida... Die Antother Day! Péssima Madonna e sem David Arnold para a ajudar! Uma bond-song completamente descaracterizada e sem personalidade. Muito mau.

"I've abandoned my child"

Depois de Boogie Nights e depois de Magnolia, o conflito de pais e filhos, numa das cenas mais intensas do filme do ano! Paul Thomas Anderson e Daniel Day-Lewis os grandes senhores do cinema do sec XXI...

O estado do Benfica ...

...por João César Monteiro.
Há coisas que não mudam mesmo!

Tudo Bons Rapazes!

2 razões para Ray ser o Maior...

"Reles e ridículo"

Esta crítica (pag6) é muito infeliz! Rechada de ataques não fundamentados e inverdades. Utiliza expressões como "E essa coisa vai do mais reles ao mais ridículo", ou, "Durante quantos anos se tentou combater este tipo de cinema português, tentando evitar o filme pessoal egoísta dos que só sabem mendigar subsídios ao ministério".

Reles e rídiculo? Se a crítica se refere à estética utilizada, talvez na sua próxima análise a um Lynch ou a um Von Trier, se lembre de utilizar os mesmo adjectivos.
E já agora, eu gosto de filmes pessoais e egoístas! Mas não creio que esse seja o caso deste filme. Além do mais, a obra em questão foi feita sem necessitar de "mendigar subsídios ao ministério"!

Uma sugestão: que tal para a próxima, investigar um pouco mais, antes de se começar a bater no que é nosso.

O filme em questão é o belíssimo The Lovebirds.

Uma das mortes mais "belas" do cinema

Agora que Charlton Heston partiu, deixo-vos aqui o momento alto de um dos seus melhores (e mais obscuros) filmes: O apocalítico e assustadôr Soylent Green de 1973. Comovente e sublime...



* As lágrimas de Heston são verdadeiras, uma vez que o seu amigo de longa data Edward G. Robinson, encontrava-se já muito doente, acabando por falecer 9 dias depois desta cena.

Mr. Brooks (2007)

de Bruce A. Evans

A carreira de Kevin Costner, é um caso que sempre me intrigou. A sua ascenção meteórica com obras únicas e marcantes como The Untouchables, Revenge, JFK ou The Perfect World, valeu-lhe comparações com James Stweart ou Gary Cooper. Além do mais revelava um enorme talento na realização, com o lírico e belíssimo Dances With Wolves (pelo qual recebeu dois Oscars). Mas de repente, Costner eclipsou-se. A partir de Waterworld, iniciou uma espiral em queda livre, com desastres comerciais e artísticos uns após os outros. Bons (ou maus) exemplos são, For The Love of The Game, The Postman, ou 300 Milles to Graceland, tudo maus demais para sêr verdade. Costner, apercebendo-se disso, tentou dar a volta a essa situação.

Este Mr. Brooks, é uma dessas tentativas em que Costner procura recuperar a credibilidade perdida. Numa clara aposta de desconstruir (ou destruir) a sua imagem de bom rapaz, Costner assume a interpretação de um personagem complexo e arriscado. Justamente um serial Killer com dupla personalidade. Mas os resultados deixam muito a desejar. Costner apesar do seu óbvio star power, não é adequado neste tipo de papéis (em Perfect World foi muito muito melhor). O seu Mr. Brooks, nunca assusta, e sente-se o pouco à vontade de Costner, numa personagem tão psicótica e negra como esta. A sua inadequação, torna-se quase embaraçosa, cada vez que William Hurt (o seu alter ego), surge no ecrã e rouba-lhe descaradamente, todas as cenas em que surge.

O casting de Demi Moore no papel de uma polícia, é algo estranho e sente-se que o único motivo para tal, é a necessidade de grandes estrelas para chamar o público. As culpas da fraqueza deste projecto, podem também ser repartidas, por um guião demasiado esquematizado e algo trapalhão, e que se perde em narrativas paralelas que em nada fazem avançar a história e apenas distraiem e quebram o tom da fita. Bruce A. Evans com uma realização certinha, bem que se esforça para levar o filme a bom porto, mas o guião (da sua co-autoria) não dá para muito mais. Um factor interessante e original, é a relação de Mr. Brooks com a sua filha, que possivelmente, herdou do seu pai, mais do que este esperava.

Mas em suma, Mr. Brooks, é um filme com alguns bons momentos, mas que no seu todo, transmite uma sensação de desperdício ( especialmente de bons actores ) e que ainda não foi aquele regresso às boas graças do público, que Kevin Costner tanto esperava.

Under Capricorn (1949)

de Alfred Hitchcock

Esta história ambientada na Austrália do século XIX, aborda temas como amor, adultério e culpa, ou seja as obcessões recorrentes na obra de Hitchcock. Mas apesar disso, trata-se de uma obra atípica na carreira do mestre, uma vez que se trata de um filme de época. Nas palavras do seu realizador, este foi um filme que apenas aceitou fazer, devido ao seu deslumbramento pela maior estrela feminina da altura, a deslumbrante Ingrid Bergman.

Filmado com algumas das técnicas utilizadas em Rope (os planos sequência), Under Capricorn, falha no seu todo. E essa falha deve-se a um guião anémico, que apenas faz engrenar a história, após passar-mos a primeira hora de filme. Até lá, Hitch delicia-se (e delicia-nos) com a sua actriz principal, e intriga-nos com o tom de mistério que envolve a relação de Bergman com o muito seguro Joseph Cotten. Mas todo esse jogo, sabe a muito pouco.

Apesar de sêr uma obra menor na carreira do mestre do suspense, Under Capricorn, vale o visionamento. Nem que seja pela destreza técnica e narrativa do seu realizador, assim como pelo carisma e talento dos seus actores principais.

Hitchcock & Truffaut - A entrevista

Para ouvirem a entrevista que deu origem a um dos mais célebres livros sobre cinema, basta clicarem na imagem. São 25 ficheiros de pura magia cinematográfica, que consistem numa análise a toda a carreira de Hitchcock, conduzida de forma inspirada por Truffaut. Enjoy!

Este plano é de ...

Hitchcock Apresenta: A cura para a Insónia

Genialmente irreverente

"Em 1963, na injusta qualidade de bolseiro da Fundação Calouste Gu1benkian, parti para Londres e fim de frequentar a London School of Film Technique. Suponho que nunca por aquela escola passou aluno tão mau, mas nesse passo não tive grandes culpas no cartório: é que de facto os ingleses não nasceram para o cinema. Aliás, ainda não percebi muito bem para que é que os ingleses nasceram. Deve com certeza ser pela mesma razão que nasceram os percevejos, as baratas e o pão integral, vulgo pão que o diabo amassou."

João César Monteiro

João de Deus e arte de um gelado

HILARIANTE!

4 facetas de um grande actôr

por William Wyller

por Cecil B. DeMille

por Orson Wellespor Sam Peckinpah

R.I.P. Charton Heston

1924-2008

Outro dos herói da minha infância. Mestre na composição de personagens "bigger than life" Trabalhou às ordens de gente tão ilustre como Wyller, De Mille, Welles, Ray, Peckinpah, Stone ou Carpenter. E polémicas e actividades políticas à parte, era realmente um dos últimos heróis clássicos e mais uma grande perda neste negro 2008.

RED CARPET - Abril

Não, não é mentira não. É verdade. A RED CARPET de Abril já saiu! E este mês vem recheada de coisas boas: os filmes em sala, críticas, entrevistas, dvd's e especiais. São 52 páginas feitas por cinéfilos para cinéfilos. E à borla! Uma boa leitura para todos.

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Saving Private Ryan (1998)

de Steven Spielberg

Existem duas vertentes distintas no cinema de Steven Spielberg. Se numa o cineasta aposta claramente em filmes escapistas e de grande espectáculo (Jaws, Indiana Jones, Jurassic Park), na outra o seu cinema vira-se para terrenos mais “adultos”, com histórias geralmente inspiradas em factos verídicos e com uma forte componente humanista (Schindler’s List, Amistad, Munich). Saving Private Ryan, insere-se claramente na segunda vertente. Duro e com um realismo que retrata de forma o mais fiel possível, toda a violência de um campo de batalha. Nunca até Saving Private Ryan, o cinema tinha ido tão longe, no mostrar sem complacências, toda a barbárie que é uma guerra.

Os seus primeiros 30 minutos (a batalha da Normandia) foram apelidados na altura da sua estreia, como os 30 minutos mais violentos da história do cinema. Exagero? Não. Realmente o realismo da violência do desembarque das tropas aliadas, possuiu uma carga tão visceral (em certas cenas literalmente), que é difícil, ficar indiferente ao que passa à frente dos nossos olhos. Um após outro, vários são os momentos, em que nessa sequência de abertura, somos chocados com a loucura e a brutalidade do que é a guerra realmente. A violência surge de forma animalesca, completamente aleatória e igualmente implacável para ambos os lados do conflito. Spielberg mostra-nos essa questão fundamental, de forma clara. Especialmente na forma como filma toda a acção como se de um documentário se tratasse. O efeito é o arrastamento do espectador para o centro da batalha. Seja através de longos planos sem montagem, captando toda a acção à sua volta com um hiper-realismo dantesco, ou através de outra ferramenta essencial para a imersão do espectador, o impressionante trabalho sonoro. Nunca o som das balas, dos tiros de canhão, da carne a ser dilacerada, foi tão autêntico e presente. Spielberg sabiamente, opta por não utilizar música durante as cenas de batalha. Nelas a banda sonora é o som da morte que envolve os seus personagens.

Mas essa abordagem documental não se reflecte apenas nas fortes imagens e sons de Saving Private Ryan. Também na escrita de Robert Donat, as acções e motivos dos personagens são por vezes moralmente questionáveis. Os nossos “heróis” comandados por um misterioso Capt. Miller (Tom Hanks irrepreensível), são rapazes assustados com os quais simpatizamos, mas que nos momentos de batalha, são capazes de matar soldados já rendidos e desarmados. É essa ambiguidade moral que está magnificamente sintetizada na cena da captura do soldado nazi, onde apenas uma voz (Jeremy Davies num belíssimo papel) se insurge contra a loucura do que estão prestes a fazer. Cruelmente, esse soldado irá ressurgir mais tarde, para ter papel crucial no destino de vários personagens. Spielberg observa todas as acções com um distanciamento que não é comum na sua carreira. E é esse distanciamento que torna a sua abordagem justíssima e equilibrada. Pena é, que o filme sofra de alguma dispersão na sua narrativa episódica. E além disso, algumas cenas estão a mais, e perturbam o tom do filme (toda a sequência que envolve as altas patentes militares e a mãe de Ryan era perfeitamente dispensável).

Steven Spielberg tem aqui um dos maiores sucessos artísticos e comerciais da sua carreira. Saving Private Ryan, confirma em definitivo a transição para cineasta “sério”, tendo inclusivé ganha outro oscar. Pena algumas lacunas, pois senão teríamos aqui o melhor filme de sempre sobre a 2ª guerra mundial. Sendo assim esse continua a sêr The Thin Red Line.

Paraíso ...

Roubo ou inspiração? Coppola responde...

Filmes da Minha Vida - VIII

Adulto, desencantado, provocador, subversivo, arriscado, polémico. Munich é isso e muito muito mais. E é por isso mesmo que adoro este filme. Uma obra maior, incompreendida e inesperada, de um dos maiores nomes de Hollywood. Com um casting perfeito (enorme Eric Banna), uma equipe no auge (destaque para Janus Kaminski e John Williams)e um realizador apostado em usar o seu enorme poder, para chegar de forma justa e sem concessões, ao âmago de algumas das mais pertinentes questões éticas, morais e humanas alguma vez abordadas em filme. O facto de vir de Hollywood, só valoriza este obra única na carreira de Spielberg. Um filme de uma profundidade tocante que assombra o espectador muito após a saída do cinema. E aquele plano final...

Crime Story Opening

Só porque me apetece! Michael Mann is the Man!

A minha cena romântica favorita

Esta cena sempre me causou um misto de arrepio e emoção. O poder que emana, deve-se à intensidade emocional de Fiennes, à música de Yared, a fotografia de Seale e a deslumbrante direcção do malogrado Minguella. Todos estes factores são merecedores dos oscars, que esta película recebeu.

Em memória de Anthony Minguella.

Anthony Minguella ...

R.I.P.

(1954-2008)

É com tristeza que publico mais um post deste género. Anthony Minguella, o realizador de 54 anos, faleceu devido a complicações durante uma operação. Este 2008 está a sêr cruel para com o mundo do cinema. Depois de Heath Ledger e Roy Scheider, agora foi o autôr de um dos filmes da minha vida, o inesquécivel, The English Patient.

The Lovebirds (2007)

de Bruno de Almeida

“There is a sad beauty in defeat”. Uma das frases mais belas que já ouvi nos últimos tempos num filme. Paradoxalmente, uma frase pronunciada em inglês, por um realizador português (Fernando Lopes), num filme em que se interpreta a si próprio, guiado pela mão do cineasta Bruno de Almeida. Essa cena encerra todo o espírito melancólico que atravessa o filme. Funcionando no contexto temático de The Lovebirds, essa cena é também ela, uma declaração de amor ao cinema e a todos os utópicos, que apesar das derrotas, continuam a sua luta (por vezes sobre-humana) que é fazer um filme.

Curioso, mas ao mesmo tempo óbvio, que tenha sido um realizador radicado há quase 20 anos em Nova Iorque, a conseguir o “milagre” de contornar as contingências de mercado e de lobby, que são necessárias para fazer cinema em Portugal. Para tal “milagre”, Bruno de Almeida teve o apoio imprescendivel de um magnífico leque de actores (lusos e norte-americanos) e o suporte digital como grande “arma” de cinema. É precisamente com a liberdade desse digital, que Bruno de Almeida, bate aos pontos muita produção faustosa e inconsequente, que infelizmente se faz por cá. E se já há pouco referia paradoxos, não resisto a salientar, que com a câmara solta e próxima dos personagens, The Lovebirds transmite uma liberdade e um intimismo, que me arrisco a classificar de poético. Duvido que com as contingências de uma grande produção, essa expontaniedade fosse possível de alcançar. Alguém falou em Cassavetes, como referência espiritual para este filme, e a referência parece-me fazer todo o sentido. A sua sombra paira em todo o filme, quer na técnica cinematográfica, quer na abordagem solta e de improviso na direcção de actores.

A narrativa em mosaico com multíplas personagens, muito ao jeito de Magnólia, ou Short Cuts, funciona em pleno. Especialmente em três segmentos. O primeiro é o tocante episódio de um cineasta que faz o seu último filme (Fernando Lopes numa evocação cinéfila ao seu Belarmino). O segundo é a cruel história de um taxista que comete um acto chocante, para no final atingir uma inesperada redenção. E no terceiro assistimos à terna e por vezes hilariante (genial a cena do chouriço) relação entre o americano (grande Michael Imperioli) e a empregada de mesa de Alfama (uma surpreendente Ana Padrão). As outras história paralelas não me parecem funcionar tão bem, apesar do segmento protagonizado por Joaquim De Almeida, ser verdadeiramente hilariante. E apesar de algumas insuficiências na montagem, o filme possuiu um espírito tão honesto e despretensioso, que só apetece revê-lo mais uma vez.

Um refrescante e surpreendente filme, que pode contribuir para uma mudança de mentalidades no cinema português.

Top Robert De Niro

Nº1 RAGING BULLNº2 TAXI DRIVER
Nº3 HEAT

Lição de cinema com o mestre - Parte 2

Shadow of a Doubt (1943)

de Alfred Hitchcock

Quando o tio Charlie (um ambíguo Joseph Cotten) decide visitar a família, a sua sobrinha (Theresa Wright) também chamada Charlie, é a única a desconfiar que o seu tio esconde um segredo que poderá incluir vários assassinatos. Mas será mesmo o tio Charlie um assassino, ou a sua sobrinha estará apenas com uma grande dose de paranóia? Shadow of Doubt gira em torno do tema preferido de Hitchcock, a suspeita. Tal como eu Rear Window, ou em Rope, aqui temos uma protagonista que suspeita de algo terrível, com a mais valia dramática, de o suspeito ser o seu simpático e (aparentemente) inofensivo tio.

A abordagem de Hicthcock é no mínimo ambígua, pois o realizador parece simpatizar na mesma medida com a sua protagonista e com o seu antagonista. E Hitch vai mais longe ainda, criando uma forte identificação com o tio e a sua sobrinha, tal como Theresa Whright diz a certa altura, “ mais que o meu tio, ele é o meu gémeo”. Essa ligação entre personagens, é estabelecida formalmente através de composições que funcionam como espelhos entre os dois protagonistas. Mas não é de gémeos que aqui estamos a falar, pois claramente há aqui um subtexto, com uma sugestão de uma possível atracção incestuosa. Mas Hitch, devido ao código Hays, nunca leva demasiado longe essa sugestão. E ainda bem, pois o filme não é nenhum drama psico-sexual, é sim um belíssimo thriller, onde a sugestão é muitíssimo mais eficaz no espectador, do que qualquer visualização. Quase até ao final, o brilhante cineasta não abre o jogo, deixando todas as leituras possíveis. Somente quando chegamos ao climático final, é que a verdade é revelada e a monstruosa face do mal emerge de forma perturbante.

Outro ponto curioso, é o local onde decorre a história. Uma pacata cidade do interior. Hitch, ao situar o clima de suspeita nos habitantes desse ambiente, parece sugerir que o mal não conhece fronteiras, pois até em zonas perfeitas e idílicas, o mal pode surgir a qualquer momento e assumir a forma de um terrível pesadelo. E isto tudo 43 anos antes de Blue Velvet. Um filme a descobrir por todos os fãs do mestre do suspense.

Lição de cinema com o mestre - Parte 1